La visione degli antichi

Nei passaggi storici di cambio d’epoca si ridiscutono radicalmente l’idea di tempo e il modello narrativo della realtà. Cambia l’interpretazione del presente. Il tema del tempo non riguarda più solamente il suo scorrere, il suo fluire. Esso riguarda la sua figura simbolica, carica di attese, di necessità, di decisioni. Da kronos, il tempo si fa kairos. Da flusso ininterrotto a istante decisivo, carico di senso. È così che ogni presente dialoga con qualche passato. Un passato reale o più spesso immaginato. Riscoperto o ricreato, che legittimi le forze del presente, le loro aspirazioni, i sogni o le proteste.

Quando nel 1854, Frederic Leighton, dipinge La celebre Madonna di Cimabue portata in processione per le strade di Firenze, sintetizza il sentire di un’epoca, il sogno di una generazione, piuttosto che la ricostruzione di un episodio storico o la sua autentica rappresentazione. Oggi sappiamo che la Maestà che s’intravede nel quadro di Leighton non è di Cimabue, come allora si credeva, bensì di Duccio. Ma questo non modifica l’intento.

La cultura romantica concorre nell’Ottocento a costruire un’immagine evocativa e mitizzata del Medioevo e del primo Rinascimento. Si elabora un modello duttile, di enorme fortuna critica, declinabile e adattabile alle diverse urgenze storiche del periodo: dalla Restaurazione politica alle tematiche risorgimentali, dalla ripresa dell’ispirazione religiosa alla polemica sociale contro lo sviluppo dell’industrializzazione.

Ma è il recupero del sentimento come densità qualitativa dell’esistenza, la via privilegiata, oltre le convenzioni sociali, per esaudire la propensione dell’io verso l’infinito. E l’arte appare in sé stessa come un ideale di vita.

È in questo contesto che nasce un movimento così complesso e frastagliato come quello dei Preraffaelliti. Li accomuna al sentimento del tempo, il rifiuto della codificazione di regole, elaborate nei secoli sui modelli ritenuti esemplari, e quindi “classici”, in favore della ricerca di un’arte spontanea, immediata, in grado di valorizzare le componenti sentimentali e interiori e al contempo gli aspetti dell’onirico e dell’irrazionale.

La convinzione dei Preraffaelliti che “soltanto nelle opere più antiche si potesse trovare la salvezza” li spinse a trarre ispirazione da figure come Cimabue, Giotto e i giotteschi, Taddeo di Bartolo, Beato Angelico, Benozzo Gozzoli e i due Lippi, Rosselli, Verrocchio e Botticelli e tutti gli artisti del Quattrocento italiano. Quella scelta fu difesa da John Ruskin, che riconosceva nella loro pittura la volontà morale, oltre che estetica, di tornare a un’arcaica onestà e a un’attenta osservazione della natura che dal “raffaellismo” del secondo Rinascimento in poi era stata tradita, grazie al “veleno brillante e limpido dell’arte di Raffaello”.

L’Italia, nei suoi paesaggi, nella sua arte e letteratura, nella sua storia esercita su di loro una grande fascinazione. Sognavano l’arte degli Antichi maestri. E questi erano i grandi del Tre e del Quattrocento italiano. Toscano soprattutto. E fra essi il supremo Botticelli. Poi lo sguardo andò ampliandosi, con gli artisti della seconda generazione.

Le opere incluse in questa sezione iniziale sono state scelte, attraverso una eccezionale campionatura di capolavori (da Cimabue a Botticelli), con l’intento di mostrare una triplice visione: cosa quelle opere sono state in sé stesse, com’erano allora, nel tempo della loro creazione, come furono viste dai Preraffaelliti, e come le intendiamo ora.

Solo il principio di differenza ci consente di analizzare la comparazione, di lumeggiarne i riferimenti successivi, il climax che ha reso quelle opere una ispirazione, una fonte e una lezione vieppiù ripresa e rielaborata, fino a mostrarne anche la distanza.

Le inserzioni di alcuni, pochissimi artisti (Leighton, Burne-Jones, Cayley Robinson, Pomeroy), appartenuti a diverse generazioni del preraffaellismo, come in una ouverture, servono a dichiarare il tema di tutta la mostra.